Section 2 Conception de l'artisanat étranger
Le design industriel moderne s'est développé à l'étranger. Pour explorer les origines du design industriel, il est nécessaire de comprendre le développement du design artisanal à l'étranger, notamment en Europe.
Le design doit toujours s'adapter aux conditions des matériaux, des structures, des technologies, etc. auxquels il est rattaché, ainsi qu'aux fonctions et à l'environnement réels. Cependant, à l'ère du design artisanal, le design en tant qu'art conserve une grande indépendance et reflète avec précision les pensées et les tendances culturelles des différentes époques. Avant la révolution industrielle, le style des designs étrangers était bien plus riche que l'évolution et l'évolution de leurs fonctions et technologies. À cet égard, le développement du design à l'ère de l'artisanat étranger est très différent de celui du passé. En raison de la domination de la culture confucéenne pendant deux mille ans et du régime centralisé de grande unité, l'évolution du style du design est très lente. Bien que les designs des différentes périodes historiques aient des orientations et des caractéristiques différentes, ils sont généralement issus de la même source, avec peu de percées et d'innovations majeures. L'évolution du design architectural en témoigne clairement. Depuis l'établissement du système architectural de la dynastie Han, le type architectural à ossature de bois, consoles et larges toits s'est perpétué jusqu'au début du XXe siècle, rendant difficile l'identification de l'âge d'un bâtiment, sauf pour un expert en architecture ancienne. En Europe, des temples grecs solennels et magnifiques aux imposantes églises gothiques du Moyen Âge, du dôme Renaissance au fronton brisé baroque, du néoclassique à l'Art nouveau, l'art architectural des différentes périodes est riche et coloré, éblouissant, contrastant fortement et ouvrant la voie. D'autres domaines du design, influencés par l'art architectural, présentent également des styles différents selon les périodes, un élément important à prendre en compte lors de l'étude de l'histoire du design étranger.
Dans le processus de développement du design, le développement des pays du monde entier est déséquilibré, et leurs créations ne sont généralement pas au même niveau. À chaque époque historique, seuls quelques pays représentent souvent le courant dominant du développement du design. Bien sûr, les pays temporairement en retard ont aussi leurs propres réalisations et contribueront aux progrès des pays avancés. Ils ont également enrichi la culture mondiale du design, mais nous ne pouvons ici que décrire les grandes lignes de leur évolution.
Tout comme le développement du mobilier est influencé par l'art architectural, l'architecture, en tant que « grand art », a également un impact important et direct sur le développement du design étranger. Par exemple, l'architecture gothique du Moyen Âge a directement influencé le mobilier gothique, et l'architecture rococo du XVIIe siècle a directement influencé le mobilier et d'autres produits ménagers rococo. L'influence de l'architecture moderne sur le design industriel est évidente. Par conséquent, pour étudier l'histoire du design étranger, il est nécessaire de comprendre le développement de l'architecture et son influence sur les autres arts du design.
1. Conception de l'Égypte ancienne
L'Égypte est l'une des civilisations les plus anciennes du monde. L'ère pharaonique a duré près de 1 700 ans, du premier monarque du royaume primitif de Ménès en 3 000 av. J.-C. à la XVIIIe dynastie en 1 310 av. J.-C. Durant cette période, une autocratie impériale centralisée s'est formée, appuyée par une religion bien développée. Sur le plan architectural, elle a recherché une puissance impressionnante et a créé les magnifiques pyramides et le temple d'Amon.
Les pyramides de Gizeh, construites dans la banlieue du Caire aux 27e et 26e siècles av. J.-C., sont les plus représentatives des pyramides de l'Égypte antique. Elles se composent de trois immenses pyramides, toutes de forme carrée précise et aux formes extrêmement simples. La plus grande est la pyramide de Khéops, haute de 146,6 mètres et longue de 230,6 mètres à la base. C'est l'un des chefs-d'œuvre les plus remarquables de l'histoire de l'architecture humaine.
Les pyramides sont situées en bordure du désert, construites sur une plateforme d'environ 30 mètres de haut. Face à l'immensité du désert, seule leur imposante, stable, solennelle et simple image peut exprimer leur monumentalité. Un tel environnement leur confère également leur expressivité.
La conception artistique des pyramides reflète les caractéristiques naturelles et sociales de l'Égypte antique. À cette époque, les Égyptiens conservaient encore le fétichisme primitif de la société clanique. Ils considéraient les montagnes, les déserts et les longs fleuves comme sacrés. Les premiers empereurs exploitèrent ce fétichisme primitif et promurent l'empereur comme un dieu naturel. C'est pourquoi les caractéristiques typiques des images de montagnes, de déserts et de longs fleuves furent attribuées aux monuments du pouvoir impérial. Dans le cadre naturel de l'Égypte, ces caractéristiques sont grandioses et simples. Cette pensée artistique est intuitive et primitive. Les pyramides, comme des roches artificiellement empilées, dégagent une forte primitivité. Elles s'intègrent ainsi parfaitement au paysage du delta du Nil. La fumée du désert et le coucher de soleil sur le long fleuve sont spectaculaires ! L'obélisque, symbole du dieu soleil, est également devenu un modèle pour les monuments ultérieurs, grâce à sa composition imposante et à sa forme simple et expressive.
L'artisanat était également très développé dans l'Égypte antique. La pierre était la principale ressource naturelle du pays, et les ouvriers l'utilisaient pour fabriquer des outils de production, des meubles du quotidien, des ustensiles et même des décorations d'une grande finesse, grâce à un savoir-faire artisanal d'une grande finesse. Au Moyen Empire, les outils en bronze firent leur apparition, et les scies, haches, ciseaux, marteaux et autres outils en cuivre commencèrent à être utilisés, ce qui favorisa grandement le développement de l'artisanat. Grâce au climat sec de l'Égypte, de nombreux objets artisanaux de l'Égypte antique ont été préservés intacts jusqu'à nos jours. Parallèlement, l'Égypte antique était riche en coutumes funéraires, et d'innombrables objets funéraires furent exhumés des tombes des pharaons et des nobles, fournissant ainsi aux générations futures des informations extrêmement précieuses pour étudier l'artisanat de l'Égypte antique.

Figure 2-11 Atelier de fabrication de meubles dans les peintures murales de l'Égypte ancienne
Les peintures murales et les sculptures égyptiennes contiennent de nombreuses descriptions d'artisanat. La figure 2-11 illustre la production des ateliers de meubles de l'époque, telle que décrite dans les peintures murales de l'Égypte ancienne. Les principaux matériaux utilisés étaient l'acacia local, le figuier, le saule de rivière, etc. Parallèlement, le cèdre et le genévrier étaient importés de Syrie, et l'ébène des pays du Sud. Les outils en bois de l'époque comprenaient des haches, des ciseaux, des maillets, des scies, des couteaux, etc. En l'absence de rabots, les meubles étaient polis à l'aide de polissoirs en grès. L'artisanat populaire à cette époque était le lambrissage, c'est-à-dire l'assemblage de petits morceaux de bois en grandes plaques plates à l'aide de clous en bois pour fabriquer des meubles. Le panneau le plus fin ne mesurait que 6 mm d'épaisseur. Une armoire exhumée de la tombe de Toutankhamon (1368-1350 av. J.-C.) était composée d'environ 33 000 petits morceaux de bois. La structure des meubles présentait déjà des assemblages complexes à tenons et mortaises, complétés par la technique d'étirement des bandes de ceinture et le masquage des peaux d'animaux. À cette époque, les peintures étaient déjà apparues. À la même époque, une méthode picturale utilisait la tempera (une méthode de peinture au jaune d'œuf mélangé à de la peinture) comme décoration sur la surface du plâtre, représentant souvent de grandes scènes de conquêtes impériales et de la vie de cour. Les décorations de surface les plus courantes étaient les sculptures et les incrustations. Outre les têtes de lion et les pieds d'animaux, les sculptures comprenaient également des images du dieu soleil, du dieu aigle et du dieu hippopotame, reflétant le polythéisme et la conscience sociale de l'identité de l'homme et du dieu dans la société égyptienne.

Figure 2-12 Lits et chaises funéraires découverts dans les anciennes pyramides égyptiennes de Gizeh
Le mobilier existant de l'Ancien Empire égyptien comprend le lit et la chaise funéraires découverts dans la célèbre pyramide de Gizeh (figure 2-12). Ces meubles ont été produits vers 2686 av. J.-C. La forme du lit est très particulière, avec un appui-tête légèrement plus haut. L'ensemble du lit est assemblé par des pièces en cuivre et peut être démonté si nécessaire. Presque tous les meubles égyptiens ont des pieds en forme d'animaux, les pieds avant et arrière étant orientés dans la même direction, ce qui constitue une différence importante entre le mobilier égyptien antique et le mobilier grec et romain plus tardif.

Figure 2-13 Le trône du pharaon de Toutankhamon
Le plus bel exemple de mobilier égyptien est le mobilier funéraire de Toutânkhamon, jeune roi de la XVIIIe dynastie. La qualité artisanale de ces objets, vieux d'environ 3 200 ans, est remarquable. Le plus célèbre est sans doute le magnifique trône du pharaon (figure 2-13). Le relief doré au dos du trône représente les scènes de la vie du propriétaire du tombeau avant sa mort. La reine applique de l'huile sainte sur le roi assis sur le trône, et le dieu soleil brille dans le ciel. Les costumes des personnages sont tous incrustés de poterie colorée et de jadéite. La structure est rigoureuse et la technologie de production témoigne d'une grande précision.

Figure 2-14 Fauteuil égyptien à croisillons diagonaux
Il existe de nombreux types de meubles en Égypte, notamment des lits, des chaises, des armoires, des tables et des tabourets. Nombre d'entre eux sont pliables ou amovibles, ce qui témoigne de l'évolution constante de la décoration intérieure égyptienne. Les premiers meubles, dont le dossier est droit, présentent généralement des lignes rigides. Les meubles plus récents présentent un support au dos, qui prend une forme incurvée et inclinée (figure 2-14), témoignant de l'importance accordée au confort des designers égyptiens. Cette prise de conscience revêt une importance capitale dans l'histoire du développement du mobilier mondial.
Le mobilier égyptien a posé des bases solides pour le développement du mobilier des générations suivantes. Pendant des millénaires, les formes fondamentales du design mobilier n'ont pas complètement dépassé l'imagination des designers égyptiens de l'Antiquité. Que ce soit en termes de quantité ou de qualité, le mobilier égyptien peut être considéré comme le meilleur modèle de design mobilier antique et offre aux générations futures de riches ressources pour étudier l'histoire de l'art égyptien. Même dans la production moderne actuelle, l'étude du mobilier égyptien peut encore être une source d'inspiration précieuse.
2. Motifs grecs et romains antiques
Depuis plus de 2 000 ans, la culture du design de la Grèce et de la Rome antiques n'a jamais été perturbée par les aléas de l'histoire. Elle est même devenue le fondement du design européen, dont l'influence perdure encore aujourd'hui. C'est pourquoi les Européens ont coutume de qualifier la culture de la Grèce et de la Rome antiques de « culture classique ».
(1) Conception grecque antique
À partir du VIIIe siècle avant J.-C., de nombreux petits États esclavagistes furent établis dans la péninsule balkanique, sur la côte occidentale de l'Asie Mineure et dans les îles de la mer Égée. Ils émigrèrent à l'étranger et fondèrent de nombreux États dans l'Italie actuelle, en Sicile et dans la région de la mer Noire. Les relations politiques, économiques et culturelles entre eux étaient très étroites, et ils furent collectivement appelés la Grèce antique.
La Grèce antique est le berceau de la culture européenne. Grâce à la sagesse des Grecs et à la structure sociale éclairée des esclavagistes, la Grèce antique a connu de brillantes réalisations dans les domaines de l'art, de la littérature, de la philosophie et des sciences. Elle est également pionnière du design européen, notamment de l'art architectural, qui a profondément influencé la conception architecturale européenne pendant plus de 2 000 ans. L'artisanat grec était très développé. L'épopée du poète Homère mentionnait autrefois les savoir-faire de la dorure, de la sculpture, de la peinture, du polissage, de la marqueterie, etc., et énumérait différents types de meubles tels que des tables, des bancs, des coffres, des lits, etc.
Les objets artisanaux ayant survécu à la Grèce antique sont principalement des poteries, dont les vases peints en rouge et noir sont les plus célèbres. Leurs formes et leur savoir-faire sont d'une grande finesse. Les peintures sur ces vases, représentant principalement des personnages, reflètent la vie et les batailles de l'époque. Ces peintures sont devenues des ressources précieuses pour l'étude de l'art et de la vie de la Grèce antique. Les personnages sont représentés avec une grande élégance, principalement au trait, et les caractéristiques des peintures égyptiennes antiques sont encore présentes dans le style d'expression. Les visages sont généralement représentés de profil. En termes de design, ces vases sont très fonctionnels et présentent un certain degré de standardisation. La plupart des peintures sont réalisées sur une série de bouteilles standardisées, et chaque forme correspond à un usage spécifique.
Il existe peu d'exemples de mobilier grec ancien, hormis des objets en pierre. On ne trouve que quelques exemples de mobilier de la période classique (VIIe au Ve siècle av. J.-C.) et de la période athénienne (Ve au IVe siècle av. J.-C.). Le mobilier grec de cette période hérite essentiellement du style du mobilier égyptien antique, avec ses lignes droites et ses décorations de têtes de lion et de sphinx.

Figure 2-15 Chaise grecque Chrismus
Le représentant le plus remarquable du mobilier grec est une chaise appelée Klismos (figure 2-15). Ses lignes sont d'une beauté exceptionnelle, ce qui est très scientifique d'un point de vue mécanique et excellent sur le plan du confort. Elles contrastent fortement avec les lignes rigides des meubles grecs anciens et égyptiens. Tout meuble influencé par le style grec est forcément une reproduction de ces lignes magnifiques. Les pieds de ce style sont très robustes et il est probable qu'ils aient été fabriqués en chauffant et en courbant le bois plutôt qu'en découpant de grandes pièces de bois. Dans une société hiérarchique, les chaises sont le mobilier le plus hiérarchisé. Le mot « chairman » en français désigne la personne assise sur la chaise. La raison pour laquelle les chaises grecques peuvent afficher une forme aussi belle et simple est probablement liée à leur quête de liberté spirituelle. Le mobilier grec présente également des décorations en forme de pattes d'animaux, mais les Grecs ont abandonné la pratique égyptienne des quatre pieds à l'unisson pour adopter un style où les quatre pieds sont orientés vers l'extérieur ou vers l'intérieur.
Bien que le mobilier grec soit une continuation du mobilier égyptien antique, il a connu une évolution considérable en termes de forme. Il n'est donc pas étonnant que les créateurs de meubles de la Renaissance aient pris le mobilier grec comme modèle.
La Grèce antique a également connu de brillantes réalisations architecturales. Certaines de ses formes de construction, ses poutres et colonnes en pierre, ses combinaisons artistiques spécifiques, ainsi que certains principes artistiques de construction et de conception d'ensembles architecturaux, ont profondément marqué les générations suivantes. Les principales réalisations de l'architecture grecque antique résident dans la perfection artistique de ses bâtiments monumentaux et de ses complexes architecturaux, dont les œuvres les plus représentatives sont l'Acropole d'Athènes et son édifice central, le Parthénon.
Le Parthénon, construit entre 447 et 438 av. J.-C., est le temple d'Athéna, sainte patronne d'Athènes. La plupart des temples grecs antiques étant à péristyle, le traitement des colonnes et de leurs éléments constitutifs en déterminait fondamentalement l'apparence. Pendant longtemps, le style architectural grec s'est principalement reflété dans la forme, les proportions et l'association des colonnes, de l'architrave et des avant-toits, formant ainsi une pratique relativement stable et stylisée, appelée « style à colonnes ». Le Parthénon représente l'apogée du style dorique à colonnes de la Grèce antique. Bien proportionné, il est puissant et vigoureux, sans aucune lourdeur. Le chapiteau est un cône inversé droit et simple, les rainures du corps de la colonne s'entrecroisant pour former des arêtes et des angles vifs, sans base, et dégage une beauté masculine.

Figure 2-16 Comparaison de trois styles de colonnes dans l'architecture grecque antique
Un autre style de colonnes majeur de la Grèce antique est le style ionique. Ce style est plus beau, somptueux et léger, avec des volutes délicates et douces sur le chapiteau, une petite surface arrondie sur le bord de la colonne et une base complexe et élastique, qui présente les caractéristiques d'une figure féminine légère et belle. Le temple de l'Érechthéion à Athènes est un temple à colonnes ioniques typique de la Grèce, construit entre 421 et 405 av. J.-C. Outre les styles dorique et ionique, il existe également un style corinthien, avec des herbes frisées sur le chapiteau (Figure 2-16).
Figure 2-16 Comparaison de trois styles de colonnes dans l'architecture grecque antique
Les colonnes grecques antiques sont non seulement largement utilisées dans divers bâtiments, mais aussi, par les générations suivantes, un symbole de la culture classique. Elles sont utilisées dans le mobilier, la décoration intérieure et les produits du quotidien. Au début de la révolution industrielle, certaines machines possédaient même des colonnes construites selon les colonnes grecques. Comprendre la structure des « colonnes » est donc essentiel pour étudier l'histoire du design industriel.
(2) Conception romaine antique
Le design romain antique hérita directement des réalisations de la Grèce antique et les perpétua. La première raison de sa prospérité réside dans l'unification des régions les plus avancées et les plus riches du littoral méditerranéen. Les échanges culturels et l'intégration qui suivirent l'unification favorisèrent un nouvel essor. La seconde raison réside dans l'apogée du système esclavagiste romain, du IIe siècle av. J.-C. au IIe siècle apr. J.-C. La productivité atteignit des sommets dans le monde antique, l'économie se développa et la technologie connut des avancées sans précédent. S'appuyant sur sa forte productivité, la Rome antique créa de brillantes réalisations en matière de design.
La plupart des poteries de la Grèce antique étaient fabriquées au tour. À l'époque romaine, avec la maîtrise de la technologie du moulage en bronze, cette méthode a commencé à être utilisée pour la production en série de poteries imitant le métal de haute qualité. Ces poteries étaient produites dans différents centres de production et exportées vers de nombreuses régions. Chaque pièce étant fabriquée au moule plutôt qu'étirée sur un plateau tournant, elle garantissait des caractéristiques identiques. Cette méthode de production reflète les caractéristiques de la production industrielle, séparant la conception et la production, et l'émergence de designers spécialisés, comme le trépied en bronze de la Rome antique (figure 2-17) découvert à Pompéi, qui a grandement favorisé le développement du design. Le design des poteries romaines moulées contraste avec l'idée romantique des produits ménagers artisanaux ultérieurs, qui mettaient en valeur la personnalité du designer/fabricant. La première est évidemment plus proche du concept actuel de design industriel.

Figure 2-17 Trépied à trois pieds et tabouret
La forme et la structure du mobilier romain antique témoignent d'une évolution directe du mobilier grec, mais il présente également des caractéristiques uniques, la plus marquante étant sans doute l'apparition d'un grand nombre de meubles en bronze. Les Romains appréciaient les scènes grandioses, si bien que l'architecture de la Rome antique était plus somptueuse que celle de la Grèce antique, comme l'imposant Colisée et le Panthéon. Ce goût se reflète également dans la conception du mobilier, dont les meubles en bronze exhumés des ruines de Pompéi en sont les plus remarquables représentants. Leur forme est fondamentalement indissociable de l'influence du mobilier grec antique ; le trépied et le tabouret, en particulier, conservent un style grec ancien clair (figure 2-17), mais les motifs décoratifs révèlent une certaine majesté. La technique de moulage du mobilier romain antique a atteint un niveau exceptionnel. L'arrière des pieds courbés de nombreux meubles est creux, ce qui non seulement allège le meuble, mais lui confère également une plus grande résistance.
Aux IVe et Ve siècles de notre ère, l'Empire romain déclina progressivement. L'invasion des peuples barbares du nord-est entraîna une catastrophe sans précédent pour la culture romaine. En 476 de notre ère, le dernier empereur de l'Empire romain d'Occident fut renversé, marquant le début d'une longue et sombre période féodale dans l'histoire européenne. Le style architectural connut également des changements radicaux.
3. Conception médiévale européenne
Jusqu'à l'émergence du système capitaliste aux XIVe et XVe siècles, la période féodale en Europe était appelée le Moyen Âge. Durant cette période, l'agriculture naturelle dominait, les agriculteurs étaient autosuffisants et les possibilités de production étaient très limitées. Sur cette base économique, l'Europe fut déchirée, et la glorieuse culture et les remarquables réalisations technologiques de la Rome antique furent oubliées.
Figure 2-18 Chaise pliante médiévale L'idéologie et la superstructure principales du système féodal européen se concentrent sur le christianisme, qui prêche que la vie séculière est pécheresse et que le désir humain est la racine de tous les maux, et dénigre consciemment la culture classique contenant le réalisme et la rationalité scientifique. L'Église domine non seulement la vie spirituelle des gens, mais contrôle également tous les aspects de leur vie. L'état féodal de division et la domination de l'Église ont eu un impact profond sur le développement du design dans l'Europe médiévale.
Les représentants du mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne au XIXe siècle s'opposaient aux machines et à la production industrielle à grande échelle, et ont toujours affirmé avoir trouvé leurs idéaux au Moyen Âge. Ils étaient convaincus que la seule façon d'établir une norme de design acceptable était de revenir au respect de la qualité des produits artisanaux médiévaux et de revenir aux formes médiévales. Il est donc très intéressant d'examiner le design du Moyen Âge européen.

Figure 2-18 Une chaise pliante médiévale
Après la conquête de Rome par les Germains, l'essentiel du précieux patrimoine culturel romain avait été brûlé pendant la guerre. L'artisanat du haut Moyen Âge ne pouvait donc être comparé aux produits de la culture classique, et le design affichait clairement la forme brute des barbares du Nord. De plus, l'Église prônant l'abstinence et un mode de vie puritain, la production de divers objets du quotidien était très simple, voire rudimentaire. À cette époque, de nombreux meubles étaient fabriqués à partir de planches de bois brut, et ceux utilisés par les nobles ne faisaient pas exception. D'autre part, comme il n'était pas nécessaire de travailler avec acharnement sur des détails décoratifs complexes, les fabricants médiévaux excellaient généralement dans la logique structurelle, l'économie et la créativité, des qualités que les créateurs de meubles du Bauhaus recherchèrent plus tard. La chaise pliante médiévale illustrée à la figure 2-18 ressemble à une pièce exposée dans une exposition de meubles hollandaise moderne.

Figure 2-19 Série standard de formes dans la poterie anglaise médiévale
La production artisanale médiévale était également très standardisée. De nombreuses unités de mesure impériales furent fixées à cette époque et, à partir du début du XIIe siècle, le pied fut utilisé comme aujourd'hui. Cela influença naturellement la forme et les proportions des bâtiments, ainsi que la taille de nombreux objets ménagers courants. L'artisanat médiéval était organisé dans une certaine mesure, et des guildes étaient généralement créées selon les différentes industries, et des normes de conception étaient établies au sein de ces guildes. Au Royaume-Uni, l'industrie de la poterie a développé une série standard de formes (figure 2-19), et une même forme correspond à différentes séries de tailles. Tous les produits en poterie sont marqués pour indiquer que le producteur est responsable de leur qualité.

Figure 2-20 Chandelier en fer du XVIIIe siècle
Il ne reste que peu d'objets artisanaux du Moyen Âge, mais l'esprit médiéval du design est encore présent dans les ateliers des XVIIe et XVIIIe siècles. Aujourd'hui, lorsqu'on voit un ensemble complet de chandeliers (figure 2-20), on le confond souvent avec un objet artisanal classique, car les bougies en jonc ont depuis longtemps été remplacées par des lampes électriques. Pourtant, à y regarder de plus près, on constate que la conception de ces chandeliers est très pratique. Ils permettent de maintenir une mèche immergée dans la cire de bougie de manière sûre et stable. Même si un designer moderne rencontre le même problème, il est difficile de trouver une meilleure solution de conception.

Figure 2-21 Mobilier gothique
L'église gothique est la plus grande réussite de l'architecture médiévale. Dans la seconde moitié du XIIIe siècle, le style gothique, centré en France, a déferlé sur le continent européen. Le gothique, aussi appelé style haut et droit, se caractérise par son élan vertical ascendant. L'architecture gothique a remplacé l'arc en plein cintre par un arc brisé, et les larges fenêtres ont été ornées de vitraux religieux. Les groupes de colonnes, les reliefs et autres décorations richement superposées ont été largement utilisés. Ce type d'architecture répond aux exigences de l'église. Les flèches imposantes emmènent le regard vers le ciel céleste, incitant à oublier la réalité et à rêver de l'au-delà. Notre-Dame de Paris en France et la cathédrale de Cologne en Allemagne sont deux remarquables représentants de l'architecture gothique.
Le style gothique a une influence significative sur l'artisanat, en particulier sur la conception de meubles. Le mobilier gothique recherche délibérément l'effet mystérieux de l'architecture gothique. La technique la plus courante consiste à décorer les meubles avec des images d'arcs brisés et de hautes flèches, et à souligner délibérément les lignes verticales ascendantes (Figure 2-21).
La séparation entre conception et processus de production est une caractéristique essentielle du design industriel. Avec l'émergence du capitalisme naissant, basé sur la production manuelle, à la fin du Moyen Âge, la spécialisation du design n'a cessé de se renforcer. L'essor du commerce médiéval a marqué une étape importante dans cette évolution vers la spécialisation. Dans les villes européennes développées comme Florence, Venise, Nuremberg, etc., de grands ateliers se sont développés pour répondre aux besoins de la cour, de l'Église et des riches marchands en produits haut de gamme. Si les savoir-faire traditionnels restent prédominants, ils se sont spécialisés. Nombre des œuvres produites par ces artisans urbains sont de haut niveau. La frontière entre artistes et artisans s'est estompée. Leur différence réside uniquement dans leur degré de développement, tandis que leur formation et leurs compétences demeurent identiques. Tout cela a jeté les bases du mouvement de la Renaissance.
4. Design post-Renaissance
Les prémices du capitalisme européen ont commencé à apparaître en Italie au XIVe siècle et se sont répandues partout après le XVe siècle. Grâce à la division sociale du travail, l'innovation des technologies de production a été favorisée, la production marchande et le commerce sont devenus de plus en plus prospères, et la bourgeoisie urbaine émergente a exigé de lutter contre la domination spirituelle de l'Église sur le plan idéologique. C'est ainsi qu'est né le « mouvement de la Renaissance », centré sur l'Italie, afin de mobiliser l'opinion publique en faveur de l'instauration du capitalisme. L'idée centrale de la Renaissance est l'« humanisme ». Il prône la littérature et l'art comme expression des pensées et des sentiments, la science comme recherche du bien-être et la liberté individuelle pour s'opposer aux carcans religieux du Moyen Âge. La Renaissance a favorisé l'essor culturel général, et le design a également franchi une nouvelle étape, avec ses étoiles brillantes et ses fleurs épanouies, et a eu un impact considérable.

Figure 2-22 Chaise de style Renaissance italienne
La Renaissance contrastait avec le style architectural rigide du Moyen Âge. Elle recherchait des courbes humanistes et de belles strates, et se tournait vers l'art antique, s'inspirant de l'art classique de la Grèce et de la Rome antiques. Les principales techniques et structures du mobilier du début de la Renaissance s'inspiraient encore du style du milieu du siècle, mais elles affichaient une plus grande liberté et les courbes étaient largement utilisées. Les courbes étaient plus marquées, témoignant d'une certaine intimité (Figure 2-22). La science et la technologie ont également connu un essor considérable à la Renaissance, et la conception de divers équipements techniques et d'ingénierie s'est considérablement développée. Les techniciens ont travaillé dur pour étudier les moyens de transport, les machines militaires et les outils hydrauliques, etc., afin d'améliorer l'efficacité de la production. Le maître de la Renaissance Léonard de Vinci (1452-1519) a même conçu un avion et en a schématisé la structure, mais celui-ci n'a pas été construit faute de conditions de construction adéquates. Face à la nécessité de construire des bâtiments gigantesques, des machines de construction à usages divers, d'une conception très ingénieuse, sont apparues. Dans son carnet de 1465, l'architecte Gioliano da Sangallo (1445-1516) dessina douze types de machines de levage pour la construction, toutes utilisant des engrenages, des crémaillères, des vis et des leviers complexes. En 1488, le Milanais Agostino Ramelli publia à Paris un ouvrage intitulé « De diverses machines ingénieuses », qui recensait diverses machines conçues à cette époque.
Le développement continu du commerce et des échanges a entraîné l'expansion des unités de production et, parallèlement, une pression concurrentielle, ce qui a engendré une demande d'innovation pour rendre les produits plus distinctifs et plus attrayants pour les consommateurs, stimulant ainsi la demande de design. Au début du XVIe siècle, de jeunes designers ont commencé à utiliser des carnets de patrons pour répondre à cette demande, d'abord en Italie et en Allemagne. Ces livres ont été publiés et diffusés en grand nombre grâce à de nouvelles méthodes d'impression mécanique. Les illustrations de ces livres présentent des méthodes décoratives, des motifs et des patrons, généralement utilisés par les industries de la teinture et de l'ameublement. Les motifs décoratifs des carnets de patrons peuvent être appliqués à diverses occasions. Leur importance dans l'histoire du design industriel réside dans le fait que, grâce à la forme de publication, les designers sont séparés de l'application de leurs créations.
Au XVIIe siècle, la Renaissance décline et le design européen entre dans une nouvelle période historique, la période romantique. Les styles de cette période sont principalement baroques et rococo, et leur popularité varie selon les époques et les lieux.
Au tournant des XVIe et XVIIe siècles, le style baroque commença à se populariser, principalement en Italie. À l'origine, le terme baroque signifiait « perle déformée », faisant référence à l'irrégularité de la surface des bijoux. Plus tard, il devint synonyme de style. Ce style, contraire à la solennité, à l'implicite et à l'équilibre de l'art de la Renaissance, recherchait des effets de surface luxueux, exagérés et artificiels. Il rompait avec les conventions de l'art classique. Ce style est surtout présent dans les églises catholiques et a influencé le mobilier et la décoration intérieure.
Le style baroque privilégie délibérément des formes inhabituelles et non conventionnelles. Son architecture utilise souvent des frontons brisés ou superposés, rendant intentionnellement certaines parties du bâtiment incomplètes. La composition, quant à elle, présente un rythme irrégulier, des colonnes doubles, voire triples, et des travées très variées. Côté décoration, le style baroque privilégie un grand nombre de peintures murales et de sculptures, éclatantes, colorées, magnifiques, pleines de vitalité et de dynamisme. Le courant postmoderne, populaire en Occident contemporain, s'inspire souvent du style baroque.

Figure 2-23 Mobilier de style baroque
La caractéristique principale du mobilier baroque primitif est l'utilisation de pieds torsadés au lieu de pieds carrés ou tournés. Cette forme rompt l'impression de stabilité du mobilier historique, donnant l'illusion que toutes ses parties sont en mouvement (figure 2-23). Ce mouvement exagéré, en phase avec les goûts des nobles de la cour, est rapidement devenu une tendance populaire. Plus tard, de grandioses décorations en spirale sont apparues sur le mobilier baroque, plus robustes que les pieds à colonnes torsadées, témoignant d'un enthousiasme et d'une passion débridée dans le mouvement. De plus, le mobilier baroque met l'accent sur l'intégrité et la fluidité du meuble, recherche un effet rythmique harmonieux et offre un confort accru. Cependant, les caractéristiques ostentatoires et irrationnelles du baroque ont toujours été critiquées.
Au XVIIe siècle, alors que le centre du commerce européen se déplaçait de la région méditerranéenne vers la côte atlantique, le pouvoir du pays se concentra autour du gouvernement monarchique, lui-même concentré sous la dynastie de Louis XIV. Afin d'exprimer la monarchie absolue, le classicisme se forma, inspiré de l'architecture de l'Empire romain antique, et le château de Versailles en fut le représentant emblématique. Le classicisme se caractérise par sa simplicité, son harmonie, sa rationalité et sa monumentalité, contrastant fortement avec le chaos et l'accumulation du baroque italien de la même période. Cependant, tout comme le baroque apparut après la Renaissance italienne, le rococo apparut en France après le classicisme, avec le déclin de la monarchie.
Rococo, qui signifie à l'origine « roches et coquillages », désigne spécifiquement un style artistique populaire sous Louis XV en France au XVIIIe siècle. Il se reflète principalement dans la décoration intérieure et le mobilier. Ses caractéristiques principales sont le modelé de corps féminins élancés et légers, des décorations somptueuses et complexes, et une accentuation intentionnelle de l'asymétrie dans la composition. Les thèmes décoratifs tendent à être naturalistes, les plus populaires étant les feuilles d'herbe changeantes, s'enroulant et s'entremêlant, ainsi que les coquillages, les roses et les palmiers. Les couleurs du style rococo sont très vives, comme le vert tendre, le rose, l'écarlate, etc., et les lignes sont principalement dorées.

Figure 2-24 Mobilier rococo français au XVIIIe siècle
Dès ses origines, le style rococo est la continuation du style baroque et résulte de l'influence considérable du style Qing. C'est pourquoi, en France, le rococo est aussi appelé décoration. Louis XV était un tyran célèbre de l'histoire française. Il menait une vie extravagante au château de Versailles, où tout était contrôlé par les concubines. Par conséquent, les styles de mobilier de cette époque ont été transposés au gré des loisirs des dames du palais. Dans le mobilier rococo, les pieds épais et torsadés du XVIIe siècle ont disparu, remplacés par des pieds fins, incurvés et pointus (figure 2-24). Le mobilier rococo utilise principalement des incrustations de coquillages plats et de la dorure, dont il est parfaitement hérité. La peinture des meubles de cette période est devenue une technique artisanale importante. L'une est la peinture noire avec des motifs dorés, l'autre le socle blanc pur ou clair avec des motifs dorés. Les deux sont aussi luxueuses et élégantes.
En raison de leur ornementation excessive, les styles baroque et rococo sombrèrent progressivement dans le bourbier de la prétention. À l'époque de Louis XV, cette recherche de la perfection avait atteint son apogée et il était impossible d'imaginer de nouveaux styles. Par la suite, les styles européens et américains durent reprendre les codes des créations passées, entrant ainsi dans une période de transition chaotique entre les styles historiques et le design industriel moderne.
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