El diseño industrial moderno se desarrolló en el extranjero. Para explorar los orígenes del diseño industrial, debemos comprender el desarrollo del diseño artesanal en el extranjero, especialmente en Europa.

El diseño debe adaptarse siempre a los materiales, estructuras, tecnologías y demás condiciones de las que depende, así como a las funciones y al entorno reales. Sin embargo, en la era del diseño artesanal, el diseño como arte aún tiene mucha independencia y refleja profundamente los pensamientos y las tendencias culturales de diferentes épocas. En los diseños extranjeros anteriores a la Revolución Industrial, el estilo de diseño era mucho más rico que el desarrollo y los cambios en sus funciones y tecnología. En este sentido, el desarrollo del diseño en la era de la artesanía extranjera es bastante diferente. Debido al predominio de la cultura confuciana y al gobierno centralizado unificado durante dos mil años, la evolución del estilo de diseño ha sido muy lenta. Si bien los diseños de diferentes períodos históricos presentan enfoques y características diferentes, generalmente son coherentes entre sí, y se observan pocos avances e innovaciones importantes. El desarrollo del diseño arquitectónico refleja esto vívidamente. Desde el establecimiento básico del sistema arquitectónico de la dinastía Han, el estilo arquitectónico con marcos de madera, soportes y grandes techos como características básicas ha continuado hasta principios del siglo XX, por lo que es difícil identificar la edad del edificio a menos que seas un experto en arquitectura antigua. En Europa, desde los majestuosos templos griegos hasta las imponentes iglesias góticas de la Edad Media. Desde las cúpulas renacentistas hasta los frontones rotos del Barroco. Desde el neoclasicismo hasta el art nouveau, el arte arquitectónico de los distintos períodos es rico y colorido, deslumbrante, presenta enormes contrastes y cada uno marca el camino. Otros campos del diseño, debido a la influencia del arte arquitectónico, también presentan diferentes estilos en diferentes períodos. Esto es algo que conviene comprender al estudiar la historia del diseño extranjero.

En el proceso de desarrollo del diseño, el desarrollo de los países de todo el mundo está desequilibrado y sus diseños no suelen estar al mismo nivel. En cada período histórico, a menudo hay sólo unos pocos países que representan la corriente principal del desarrollo del diseño en ese momento. Por supuesto, los países temporalmente atrasados ​​también tienen sus propios logros, hacen contribuciones a los países avanzados y han enriquecido la cultura del diseño mundial, pero aquí solo podemos describir la línea principal de desarrollo.
Así como el desarrollo del mobiliario está influenciado por el arte arquitectónico, la arquitectura, como "gran arte", también tiene un impacto importante y directo en el desarrollo del diseño extranjero. Por ejemplo, la arquitectura gótica medieval influyó directamente en el mobiliario gótico, y la arquitectura rococó del siglo XVII influyó directamente en el mobiliario rococó y otros productos para el hogar. La influencia de la arquitectura moderna en el diseño industrial es evidente. Por lo tanto, al estudiar la historia del diseño extranjero, es necesario comprender el desarrollo de la arquitectura y su influencia en otras artes del diseño.

1. Diseño del antiguo Egipto

Egipto es una de las civilizaciones más antiguas del mundo. La era de los faraones en Egipto duró casi 1.700 años, desde el primer monarca del Reino Primitivo de Egipto, Menes, en el año 3000 a. C., hasta la XVIII Dinastía en el año 1310 a. C. Durante la era faraónica, se formó un sistema imperial autocrático centralizado. Existía una religión bien desarrollada al servicio de su régimen. En el arte arquitectónico, persiguió un poder imponente y creó las magníficas pirámides y el Templo de Amón.

El representante más maduro de las antiguas pirámides egipcias son las Pirámides de Giza, construidas en las afueras de El Cairo entre los siglos XVII y XXVI a. C. Constan de tres enormes pirámides. Todos son conos cuadrados precisos con formas extremadamente simples. La más grande es la Pirámide de Keops, con 146,6 metros de altura y 230,6 metros de longitud en la base. Es una de las obras maestras más brillantes de la historia del diseño humano.

La pirámide está situada al borde del desierto y está construida sobre una plataforma de unos 30 m de altura. Frente al inmenso desierto, sólo la imagen alta, estable, solemne y sencilla de las pirámides puede tener su monumentalidad, y las pirámides también son expresivas porque están en tal entorno.

La concepción artística de las pirámides refleja las características naturales y sociales del antiguo Egipto. En aquella época, los antiguos egipcios aún conservaban el fetichismo primitivo de la sociedad de clanes. Creían que las montañas, los desiertos y los ríos eran sagrados. Los primeros emperadores hicieron uso del fetichismo primitivo y el emperador fue promovido como un dios natural. Por ello, a los monumentos del poder imperial se les dieron las características típicas de las imágenes de montañas, desiertos y largos ríos. En el entorno natural de Egipto, estas características son la grandeza y la sencillez. Este pensamiento artístico es intuitivo y primitivo. Las pirámides poseen una marcada primitividad, como si fueran rocas apiladas artificialmente. Por lo tanto, armonizan con el paisaje del Delta del Nilo, con el humo solitario en el desierto y la puesta de sol en el largo río. ¡Qué espectacular! El obelisco, como símbolo del dios sol, también se ha convertido en modelo para monumentos posteriores gracias a su imponente composición y su forma sencilla y expresiva.

La artesanía también estaba muy desarrollada en el antiguo Egipto. La piedra es el principal recurso natural de Egipto. Los trabajadores la utilizan para fabricar herramientas de producción, muebles de uso diario, utensilios e incluso delicadas decoraciones con una artesanía sumamente sofisticada. Hacia el Imperio Medio aparecieron las herramientas de bronce y comenzaron a utilizarse sierras de cobre, hachas, cinceles, martillos y otras herramientas, lo que impulsó enormemente el desarrollo de la artesanía. Debido al clima seco de Egipto, muchas artesanías egipcias antiguas se han conservado intactas hasta el día de hoy. Al mismo tiempo, los entierros fastuosos eran frecuentes en el antiguo Egipto, y se excavaron innumerables objetos funerarios de las tumbas de faraones y nobles, que proporcionaron información extremadamente rica y valiosa para que las generaciones futuras estudiaran el diseño artesanal del antiguo Egipto.

Figura 2-11 Taller de muebles en los murales del antiguo Egipto

En los murales y esculturas egipcios, podemos observar numerosas descripciones de escenas artesanales. La Figura 2-11 muestra la escena de producción del taller de muebles de la época, descrita en los antiguos murales egipcios. Los principales materiales utilizados en su producción son la acacia local, las higueras, los sauces de río, etc., mientras que el cedro y el enebro se importan de Siria y el ébano se importa de los países del sur. Las herramientas para trabajar la madera en esa época incluían hachas, cinceles, mazos, sierras, cuchillos, etc. Como no existían aviones, los muebles se pulían utilizando una amoladora hecha de arena y piedra. La tecnología popular en aquella época era un tipo de panelado, que consistía en usar clavos de madera para unir pequeñas piezas de madera y formar grandes paneles planos para fabricar muebles. El panel más delgado tenía solo 6 mm de grosor. Un gabinete desenterrado de la tumba de Tutankamón (1368-1350 a.C.) estaba hecho de alrededor de 33.000 pequeños trozos de madera. La estructura del mueble presenta complejas uniones de mortaja y espiga, complementadas con tecnología de estiramiento de cinturones de cuero y tecnología de enmascaramiento de pieles de animales. En esa época ya habían aparecido recubrimientos tipo pintura, y también existía un método de pintura que utilizaba témpera (un método de pintura con yema de huevo mezclada con pintura) como decoración sobre la superficie del yeso, que a menudo representaba escenas a gran escala relacionadas con las conquistas imperiales y la vida cortesana. Los tipos más comunes de decoración de superficies son el tallado y la incrustación. Además de la cabeza de león y los pies del animal, las imágenes talladas también incluyen imágenes del dios del sol, el dios águila y el dios hipopótamo, lo que refleja el politeísmo y la conciencia social del dios humano, la misma forma que los dioses en la sociedad egipcia.

Figura 2-12 Lechos y sillas funerarias desenterradas de las antiguas pirámides egipcias de Giza

Los muebles existentes del período del Imperio Antiguo en Egipto incluyen las camas funerarias y las sillas desenterradas de las famosas pirámides de Giza (Figura 2-12). Los muebles fueron producidos probablemente después del año 2686 a.C. La forma de la cama es muy particular, con el extremo del reposacabezas ligeramente más alto. Toda la cama está conectada con piezas de cobre y se puede desmontar cuando sea necesario. Casi todos los muebles egipcios tienen patas con forma de animal, y las patas delanteras y traseras están en la misma dirección. Esta es una diferencia importante entre los muebles del antiguo Egipto y los muebles griegos y romanos posteriores.

Figura 2-13 El trono del faraón Tutankamón

El ejemplo más brillante del mobiliario egipcio es el mobiliario funerario del joven rey Tutankamón de la XVIII Dinastía. La exquisita artesanía de estos productos, que tienen alrededor de 3.200 años de antigüedad, es impresionante. El más famoso de ellos debería ser el magnífico trono del faraón (Figura 2-13). El relieve dorado del respaldo del trono muestra escenas de la vida del dueño de la tumba antes de su muerte. La reina unge al rey sentado en el trono con aceite sagrado, y el dios del sol brilla en el cielo. El vestuario de los personajes está incrustado con cerámica coloreada y jadeíta. Su estructura es rigurosa y la tecnología de producción muestra un alto grado de precisión.

Figura 2-14 Sillón egipcio con tirantes diagonales

En Egipto hay muchos tipos de muebles, incluidas camas, sillas, armarios, mesas y taburetes. Muchos de ellos son plegables o desmontables, lo que demuestra que la decoración interior egipcia cambiaba a menudo. Las líneas de los primeros muebles eran en su mayoría rígidas, incluidos los respaldos verticales de las sillas. A los muebles posteriores se les añadieron soportes en la parte posterior, haciéndolos curvados e inclinados (Figura 2-14), lo que demuestra que los diseñadores egipcios comenzaron a prestar atención a la comodidad de los muebles. Esta comprensión es de gran importancia en la historia del desarrollo mundial del mueble.

Los muebles egipcios sentaron una base sólida para el desarrollo del mobiliario en generaciones posteriores. Durante miles de años, las formas básicas del diseño de muebles no han podido trascender por completo la imaginación de los antiguos diseñadores egipcios. Tanto en términos de cantidad como de calidad, los muebles egipcios pueden considerarse el modelo más destacado del diseño de muebles antiguos y proporcionan materiales valiosos para que las generaciones futuras estudien la historia del arte egipcio. Incluso en la producción moderna actual, todavía podemos obtener muchos conocimientos útiles del estudio de los muebles egipcios.

2. Diseños griegos y romanos antiguos

Durante más de dos mil años, la cultura del diseño de las antiguas Grecia y Roma no se ha visto interrumpida por los cambios históricos. De hecho, se ha convertido en la base del diseño europeo de larga data, y su influencia aún perdura. Por eso, los europeos suelen llamar cultura clásica a la cultura de la antigua Grecia y Roma.

(1) Diseño griego antiguo

A partir del siglo VIII a. C. se establecieron muchos pequeños estados esclavistas en la península Balcánica, la costa occidental de Asia Menor y las islas del mar Egeo. Emigraron hacia el exterior y establecieron muchos países en la actual Italia, Sicilia y la región del Mar Negro. Las relaciones políticas, económicas y culturales entre ellos son muy estrechas y en conjunto se les denomina la antigua Grecia.

La antigua Grecia es la cuna de la cultura europea. Gracias a la inteligencia y sabiduría de los griegos y a la ilustrada estructura social de los dueños de esclavos, la antigua Grecia alcanzó brillantes logros en el arte, la literatura, la filosofía y la ciencia. La antigua Grecia también fue pionera en el diseño europeo, especialmente en el arte arquitectónico, que influyó profundamente en el diseño arquitectónico europeo durante más de dos mil años. La artesanía estaba muy desarrollada en la antigua Grecia. El poeta Homero mencionaba en su epopeya técnicas como el dorado, el tallado, el lacado, el pulido y la marquetería, y enumeraba diferentes tipos de muebles, como mesas, bancos, cajas y camas.

Las artesanías que han sobrevivido de la antigua Grecia son principalmente de cerámica, entre las que las más famosas son las botellas de cerámica pintadas en rojo y negro. Las formas y la artesanía de estas botellas de cerámica son extremadamente exquisitas. Las pinturas en los vasos de cerámica reflejan en su mayoría la vida de la gente y escenas de guerra de la época, siendo las figuras el elemento principal. Estas pinturas en jarrones se han convertido en materiales valiosos para estudiar el arte y la vida de la antigua Grecia. Las figuras en las pinturas sobre jarrones están representadas con mucha elegancia, principalmente con dibujos lineales, y el método de expresión aún conserva las características de las pinturas del antiguo Egipto, con los rostros de las figuras mostrados en su mayoría de perfil. En cuanto al diseño, estas botellas de cerámica son muy funcionales y presentan cierto grado de estandarización. La mayoría de las pinturas se realizan sobre cuerpos estandarizados, y cada forma tiene un uso diferente.

Aparte de los objetos de piedra, casi no han sobrevivido hasta nuestros días ejemplos físicos de muebles griegos primitivos. Quedan pocos muebles físicos del período clásico del siglo VII al V a. C. y del período ateniense del siglo V al IV a. C. Los muebles griegos de este período heredaron básicamente el estilo de los muebles del antiguo Egipto, con líneas rectas y decorados con imágenes de cabezas de leones y esfinges.

Figura 2-15 Silla crismós griega

El representante más destacado del mobiliario griego es un sillón llamado Klismos (Figura 2-15). Las líneas de la silla son de una belleza excepcional, lo cual resulta muy científico desde el punto de vista mecánico y, además, excelente desde el punto de vista de la comodidad. Contrasta marcadamente con las líneas rígidas de los muebles griegos y egipcios antiguos (Figura 2-15, Silla crismus griega). Dondequiera que exista un mueble con influencia griega, seguramente será una reproducción de estas elegantes líneas. Las patas de este estilo son muy resistentes y probablemente se hicieron calentando y doblando la madera en lugar de cortarla de un bloque grande. En una sociedad jerárquica, las sillas son el mobiliario más jerárquico. La palabra "chairman" en inglés significa "persona sentada en una silla". La razón por la que las sillas griegas pueden mostrar formas tan bellas y simples probablemente está relacionada con su búsqueda espiritual de la libertad. Los muebles griegos también tenían decoraciones en forma de patas de animales, pero abandonaron la práctica egipcia de tener cuatro patas al unísono y cambiaron a un estilo con las cuatro patas mirando hacia afuera o hacia adentro.

Aunque el mobiliario griego es una continuación del antiguo Egipto, ha experimentado un gran avance en su forma. No es de extrañar que los diseñadores de muebles del Renacimiento consideraran el mobiliario griego como modelo.

La antigua Grecia también alcanzó brillantes logros en el arte arquitectónico. Algunos de sus estilos arquitectónicos, las formas artísticas específicas de los componentes de vigas y columnas de piedra y sus combinaciones, y algunos principios artísticos en el diseño de edificios y complejos de edificios han tenido un profundo impacto en las generaciones posteriores. El principal logro de la arquitectura griega antigua es la perfecta expresión artística de los edificios monumentales y complejos arquitectónicos, el más representativo de los cuales es la Acrópolis de Atenas y su edificio central, el Partenón.

El Partenón fue construido entre 447 y 438 a.C. y es el templo de Atenea, la diosa patrona de Atenas. Dado que la mayoría de los templos griegos antiguos tenían peristilo, el tratamiento de las columnas y los componentes relacionados determinaba básicamente la apariencia del templo. Durante un largo período de tiempo, el estilo del arte arquitectónico griego se reflejó principalmente en la forma, la proporción y la combinación mutua de columnas, arquitrabes y aleros, formando así una práctica estilizada bastante estable denominada "estilo columna". El Partenón representa el logro más alto del estilo de columnas dóricas de la antigua Grecia. Es bien proporcionado, fuerte y poderoso, sin ningún rastro de torpeza. El capitel es un cono invertido recto y sencillo. Las ranuras del cuerpo de la columna se entrecruzan formando bordes afilados. Carece de base, lo que le confiere una belleza masculina.

Figura 2-16 Comparación de tres estilos de columnas en la arquitectura griega antigua

Otro estilo importante de columnas en la antigua Grecia fue el jónico. Este tipo de columna es más hermosa, suntuosa y ligera. El capitel es una delicada y suave voluta, con una pequeña superficie redondeada en el borde de la columna y una base compleja y elástica, que evoca la ligereza y la belleza de un cuerpo femenino. El Erecteión de Atenas es un típico templo jónico griego, que fue construido entre el 421 y el 405 a.C. Además de las columnas dóricas y jónicas, hay también una columna corintia con el capitel decorado con rizos (Figura 2-16).

Figura 2-16 Comparación de tres estilos de columnas en la arquitectura griega antigua

El estilo de columna griego antiguo no solo se usa ampliamente en diversos edificios, sino que también es considerado por generaciones posteriores como un símbolo de la cultura clásica, utilizándose en muebles, decoración de interiores y artículos de primera necesidad. Algunas máquinas de los primeros tiempos de la Revolución Industrial incluso tenían columnas fabricadas según el estilo de columna griego. Por lo tanto, comprender la estructura de "columnas" es muy necesario para estudiar la historia del diseño industrial.

(2) Diseño romano antiguo

El diseño romano antiguo heredó directamente los logros del diseño griego antiguo y los llevó adelante. La primera razón de la prosperidad del diseño romano antiguo fue que unificó las regiones más avanzadas y prósperas de la costa mediterránea. Los intercambios culturales y la integración posteriores a la unificación impulsaron un nuevo auge. La segunda razón es que entre el siglo II a. C. y el siglo II d. C. se vivió el apogeo del antiguo sistema esclavista romano. La productividad alcanzó su nivel más alto en el mundo antiguo, la economía se desarrolló y la tecnología avanzó de forma sin precedentes. Confiando en su poderosa productividad, la antigua Roma creó brillantes logros de diseño.

La mayor parte de la cerámica en la antigua Grecia se elaboraba en torno. En la antigua Roma, a medida que la tecnología del moldeado del bronce se consolidaba, este método se empleó para producir en masa cerámica de imitación de metal de alta calidad. Esta cerámica fue producida en diferentes centros de producción y exportada a una amplia gama de áreas. Dado que cada pieza de cerámica se funde en lugar de dibujarse en un plato giratorio, se garantiza que cada producto tendrá exactamente las mismas características. Este método de producción ha reflejado las características de la producción industrializada, separando el diseño y la producción de productos, y el surgimiento de diseñadores especializados (Figura 2-17) El antiguo trípode de bronce romano desenterrado en Pompeya, que impulsó enormemente el desarrollo del diseño. El diseño de la cerámica fundida de la antigua Roma contrasta con la idea romántica de los productos domésticos diseñados a mano posteriores que enfatizaban la individualidad del diseñador/fabricante, y el primero está obviamente más cerca del concepto actual de diseño industrial.

Figura 2-17 Trípode de tres patas y taburete

La forma y estructura básicas de los muebles romanos antiguos indican que se desarrollaron directamente a partir de los muebles griegos antiguos, pero también tienen algunas características únicas propias, la más destacada de las cuales es la aparición de una gran cantidad de muebles de bronce. A los antiguos romanos les gustaban los paisajes magníficos, por lo que la arquitectura de la antigua Roma era más magnífica que la de la antigua Grecia, como el enorme Coliseo y el Panteón. Esta afición se refleja también en el diseño de muebles, entre los que destacan los muebles de bronce excavados en las ruinas de Pompeya. En términos de forma, básicamente no se han desviado de la influencia de los muebles griegos antiguos, especialmente los trípodes y taburetes aún conservan un estilo griego antiguo distintivo (Figura 2-17), pero los patrones decorativos revelan una posible sensación de majestuosidad. La tecnología de fundición de los muebles de la antigua Roma alcanzó un nivel asombroso. Las partes traseras de las patas curvas de muchos muebles se fundían huecas, lo que no solo reducía el peso del mueble, sino que también aumentaba su resistencia.

En los siglos IV y V d.C., el Imperio Romano estaba en decadencia. La invasión de pueblos bárbaros del noreste provocó una catástrofe sin precedentes en la cultura romana. En el año 476 d.C., el último emperador del Imperio Romano de Occidente fue derrocado, lo que marcó el comienzo de una larga y oscura era feudal en la historia europea, y el estilo de diseño también experimentó cambios drásticos.

3. Diseño medieval europeo

Hasta la aparición del sistema capitalista en los siglos XIV y XV, el período feudal en Europa se denominaba Edad Media. Durante este período, la agricultura de economía natural era dominante, los agricultores eran autosuficientes y el alcance de la producción era muy estrecho. Sobre esta base económica, Europa se desintegró y la gloriosa cultura y los extraordinarios logros tecnológicos de la antigua Roma quedaron olvidados.

Figura 2-18 Silla plegable medieval La ideología principal y la superestructura del sistema feudal europeo se concentra en el cristianismo, que predica que la vida secular es un pecado y los deseos humanos son la raíz de todo mal, y denigra conscientemente la cultura clásica que contiene el realismo y la racionalidad científica. La iglesia no sólo domina la vida espiritual de las personas, sino que también controla todos los aspectos de la vida de las personas. La fragmentación feudal y el dominio de la Iglesia tuvieron un profundo impacto en el desarrollo del diseño en la Europa medieval.

Los representantes del Movimiento Británico de Artes y Oficios del siglo XIX se opusieron a la maquinaria y a la producción industrial a gran escala, y afirmaron constantemente haber encontrado sus ideales en la Edad Media. Creían firmemente que la única manera de establecer un estándar de diseño aceptable era recuperar el respeto por la calidad de los productos artesanales medievales y las formas medievales. Por lo tanto, es interesante examinar los diseños de la Europa medieval.

Figura 2-18 Una silla plegable medieval

Tras la conquista de Roma por los germanos, gran parte del excelente legado de la cultura romana se quemó en la guerra. Por lo tanto, la artesanía de la Alta Edad Media no podía compararse con los productos de la cultura clásica, y sus diseños reflejaban claramente el rudo estilo de los bárbaros del norte. Además, como la Iglesia abogaba por la abstinencia y promovía un estilo de vida puritano, la producción de diversos artículos de primera necesidad era muy sencilla e incluso rudimentaria. Gran parte de los muebles de la época estaban hechos de toscas tablas de madera, y los muebles utilizados por la nobleza no eran una excepción. Por otra parte, como no tenían que trabajar en detalles decorativos intrincados, los fabricantes medievales generalmente eran buenos en lógica estructural, economía y creatividad, que eran exactamente lo que los diseñadores de muebles de la Bauhaus persiguieron más tarde. La silla plegable medieval que se muestra en la Figura 2-18 parece un objeto expuesto en una exposición de muebles holandeses modernos.

Figura 2-19 Serie estándar de formas en la cerámica inglesa medieval

También hubo un alto grado de estandarización en la producción manual medieval. Muchas de las medidas imperiales se fijaron durante este período y el pie se utilizó tal como se utiliza hoy desde principios del siglo XII. Esto afecta naturalmente la forma y las proporciones de los edificios y las dimensiones de muchos objetos domésticos estándar. La industria artesanal en la Edad Media estaba organizada hasta cierto punto. Generalmente, se establecían gremios según las diferentes industrias, y dentro de estos se establecían estándares de diseño. En el Reino Unido, la industria cerámica ha desarrollado una serie estándar de formas (Figura 2-19), y la misma forma tiene diferentes series de tamaños. Toda cerámica está marcada para mostrar que el productor es responsable de su calidad.

Figura 2-20 Candelero de hierro del siglo XVIII

No quedan muchas artesanías de la Edad Media, pero las actitudes medievales hacia el diseño todavía aparecen en los talleres artesanales de los siglos XVII y XVIII. Cuando la gente hoy ve un juego completo de candelabros (Figura 2-20), a menudo lo confunden con una artesanía típica, porque las velas de junco han sido reemplazadas desde hace mucho tiempo por luces eléctricas. Pero un análisis más detallado revela que el diseño de estos candelabros es muy práctico. Permiten sostener una mecha sumergida en cera de vela de forma segura y estable. Incluso si un diseñador moderno se enfrentara al mismo problema, sería difícil encontrar una mejor solución de diseño básico.

Figura 2-21 Mobiliario gótico

El mayor logro del diseño medieval fue la catedral gótica. En la segunda mitad del siglo XIII, el estilo arquitectónico gótico, centrado en Francia, se hizo popular en toda la Europa continental. El estilo gótico, también conocido como estilo alto y vertical, se caracteriza por su movimiento vertical ascendente. La arquitectura gótica sustituyó el arco de medio punto románico por uno apuntado. Los amplios ventanales están decorados con vidrieras con pinturas religiosas, y se utilizan ampliamente conjuntos de columnas, relieves y otras decoraciones ricamente estratificadas. Este tipo de edificio cumple con los requisitos de la iglesia. Sus imponentes torres atraen la mirada hacia el vasto cielo, haciendo que la gente olvide la realidad y fantasee con el más allá. Notre Dame de París en Francia y la Catedral de Colonia en Alemania son representantes destacados del diseño arquitectónico gótico.
El estilo gótico tuvo una influencia significativa en la artesanía, especialmente en el diseño de muebles. Los muebles góticos buscan deliberadamente el efecto misterioso de la arquitectura gótica. La técnica más común es decorar los muebles con imágenes de arcos apuntados y agujas altas, y enfatizar líneas verticales ascendentes (Figura 2-21).

La separación de los procesos de diseño y producción es una característica distintiva del diseño industrial. Con el surgimiento del capitalismo temprano basado en la producción manual a finales de la Edad Media, la especialización del diseño continuó intensificándose. El auge del comercio medieval fue una etapa importante en la evolución hacia la especialización. En ciudades europeas desarrolladas como Florencia, Venecia y Núremberg, se desarrollaron grandes fábricas para satisfacer las necesidades de productos de alta gama de la corte, la iglesia y los comerciantes adinerados. Si bien las habilidades y la artesanía tradicionales siguen siendo predominantes, se han vuelto más especializadas. Muchas de las obras de estos artesanos urbanos son de altísima calidad. La frontera entre artistas y artesanos se ha difuminado. La única diferencia entre ellos reside en su nivel de desarrollo, aunque comparten la misma formación y habilidades. Todo esto sentó las bases para el venidero Renacimiento.

4. Diseño posrenacentista

Los brotes del capitalismo europeo comenzaron a aparecer en Italia en el siglo XIV y se extendieron por todo el país después del siglo XV. Debido a la división social del trabajo, se promovió la innovación en la tecnología de producción, la producción y el comercio de mercancías prosperaron, y la burguesía emergente de la ciudad exigió luchar contra el dominio espiritual de la Iglesia en el terreno ideológico. Así, se formó el «Movimiento Renacentista», con sede en Italia, para sembrar la opinión pública a favor del establecimiento del capitalismo. La idea central del Renacimiento es el llamado "humanismo". Aboga por que la literatura y el arte deben expresar los pensamientos y sentimientos de la gente, que la ciencia debe beneficiar la vida y que se debe promover la libertad individual para oponerse a las ataduras religiosas de la Edad Media. El Renacimiento promovió un auge cultural general y el diseño entró en una nueva etapa con estrellas brillantes y flores florecientes, y su influencia fue de largo alcance.

Figura 2-22 Silla estilo renacentista italiano

El Renacimiento representó una inversión del rígido estilo de diseño de la Edad Media. La gente buscaba curvas humanas y capas elegantes, y volvió su atención al arte antiguo, buscando inspirarse en el arte clásico de la antigua Grecia y Roma. Las principales técnicas y estructuras de los muebles del Renacimiento temprano todavía se basaban en el estilo del siglo XXI (Figura 2-22), pero mostraban mayor libertad y las curvas eran ampliamente utilizadas. Las capas onduladas de los muebles son más evidentes, creando una sensación de intimidad (Figura 2-22). La ciencia y la tecnología también se desarrollaron mucho durante el Renacimiento, y el diseño de diversas maquinarias técnicas y de ingeniería fue bastante avanzado. Los técnicos trabajaron duro para estudiar los métodos de transporte, la maquinaria militar, las herramientas hidráulicas, etc. con el fin de mejorar la eficiencia de la producción. El maestro renacentista Leonardo da Vinci (1452-1519) incluso diseñó un avión y dibujó un diagrama esquemático de su estructura, pero no fue construido debido a las condiciones limitadas. Debido a la necesidad de construir edificios enormes, han surgido máquinas de construcción con diversos propósitos y están diseñadas de manera muy ingeniosa. En sus notas de 1465, el arquitecto Gioliano da Sangallo (1445-1516) dibujó 12 tipos de máquinas elevadoras utilizadas en la construcción, todas las cuales utilizaban engranajes complejos, cremalleras, tornillos y palancas. En 1488, el milanés Agostino Ramelli publicó en París un libro titulado "Sobre varias máquinas ingeniosas", en el que enumeraba varias máquinas diseñadas en esa época.

El continuo desarrollo del comercio y los intercambios ha llevado a la expansión de la escala de las unidades de producción y, al mismo tiempo, ha generado una presión competitiva, creando así una demanda de innovación para hacer que los productos sean más distintivos y más atractivos para los consumidores, lo que ha estimulado la demanda de diseño. A principios del siglo XVI, los diseñadores emergentes, primero en Italia y Alemania, comenzaron a utilizar libros de patrones para satisfacer esta demanda. Estos libros se publicaron en grandes tiradas utilizando el nuevo método de impresión a máquina. Las ilustraciones incluían métodos decorativos, patrones y diseños, habituales en las industrias del teñido y el mueble. Los diseños decorativos en los libros de patrones se pueden reutilizar en diferentes ocasiones, y su importancia en la historia del diseño industrial radica en el hecho de que a través de la forma de publicación, los diseñadores se separan de la aplicación de sus diseños.

En el siglo XVII, el movimiento renacentista decayó y el diseño europeo entró en un nuevo período histórico conocido como el Período Romántico. Los principales estilos de diseño durante el período romántico fueron el barroco y el rococó, que fueron populares en diferentes épocas y lugares.

A finales del siglo XVI y principios del XVII, el estilo barroco empezó a popularizarse y su principal zona de popularidad fue Italia. El significado original de Barroco es perlas deformadas, que se refiere específicamente a la superficie irregular de las joyas. Más tarde se utilizó como sinónimo de un estilo de diseño. Este estilo se aleja de la solemnidad, sutileza y equilibrio del arte renacentista y, en cambio, busca un efecto de superficie lujoso, exagerado y artificial, rompiendo las convenciones del arte clásico. Este estilo de diseño se concentra en las iglesias católicas y también influye en los muebles y el diseño de interiores.

El diseño barroco busca deliberadamente formas inusuales, sorprendentes y poco convencionales. Su diseño arquitectónico utiliza a menudo frontones rotos o superpuestos, haciendo intencionadamente que algunas partes del edificio queden incompletas; la composición tiene un ritmo irregular, y le gusta utilizar columnas dobles, o incluso tres columnas como grupo, y los tramos varían mucho. En términos de decoración, el diseño barroco le gusta utilizar una gran cantidad de murales y esculturas, que son brillantes, coloridos, magníficos, llenos de vitalidad y dinamismo. La tendencia de diseño posmoderno popular en los países occidentales contemporáneos a menudo toma el estilo de diseño barroco como objeto de imitación.

Figura 2-23 Mobiliario de estilo barroco

La característica más importante de los muebles del Barroco temprano es el uso de patas retorcidas en lugar de patas de madera cuadradas o torneadas. Esta forma rompe la sensación histórica de estabilidad de los muebles y da a la gente la ilusión de que todas las partes del mobiliario están en movimiento (Figura 2-23). Este exagerado sentido de la deportividad estaba muy en línea con los gustos de los nobles de la corte, y por ello rápidamente se convirtió en una tendencia popular. Los muebles del Barroco posterior se caracterizaron por grandes volutas, más intensas que las patas retorcidas de las columnas, que expresaban una pasión cálida y desenfrenada en el movimiento. Además, los muebles barrocos enfatizan la integridad y fluidez del mobiliario en sí, buscan un gran efecto rítmico armonioso y también son más cómodos. Sin embargo, el estilo barroco siempre ha sido criticado por sus características llamativas e irracionales.

En el siglo XVII, cuando el centro del comercio europeo se trasladó de la región mediterránea a la costa atlántica, el poder nacional se concentró en los gobiernos monárquicos, lo que se manifestó particularmente en el reinado de Luis XIV. Para expresar la monarquía absoluta, se formó el clasicismo basándose en la arquitectura del antiguo Imperio Romano, con el Palacio de Versalles como su representante típico. Las características del estilo clásico son la sencillez, la armonía, la racionalidad y la monumentalidad, lo que contrasta marcadamente con el caos y la acumulación del estilo barroco italiano del mismo período. Pero así como al Renacimiento italiano le siguió el Barroco, en Francia el Rococó surgió después del Clasicismo, cuando la monarquía declinó.

El término rococó significa originalmente rocas y conchas, y se refiere específicamente a un estilo artístico popular en el siglo XVIII, durante el reinado de Luis XV en Francia. Se refleja principalmente en la decoración arquitectónica de interiores, el mobiliario y otras áreas del diseño. Sus características básicas son el cuerpo femenino esbelto y ligero, la decoración magnífica y complicada y el énfasis intencional en la asimetría en la composición. Los temas decorativos tienden hacia el naturalismo, siendo los más populares las hojas de hierba con sus rizos y enredos siempre cambiantes, así como las conchas de almejas, las rosas y las palmeras. Los colores del estilo rococó son muy brillantes, como el verde claro, el rosa, el escarlata, etc., y las molduras son en su mayoría doradas.

Figura 2-24 Mobiliario rococó francés del siglo XVIII

En cuanto a sus orígenes, el estilo rococó es una continuación del barroco y también resultado de una marcada influencia del estilo de diseño de la dinastía Qing. Por ello, en Francia, el rococó también se denomina decoración. Luis XV fue un tirano famoso en la historia francesa. Se entregó a una vida de lujo en el Palacio de Versalles, y todo estaba controlado por sus concubinas. Por lo tanto, los estilos de muebles de esta época cambiaron según las preferencias de las damas del palacio. En los muebles rococó, las patas gruesas y retorcidas del siglo XVII desaparecieron, sustituidas por patas delgadas, curvas y puntiagudas (Figura 2-24). Los muebles rococó a menudo utilizan incrustaciones de conchas planas y dorado, técnicas aprendidas íntegramente en China. Durante este período, la pintura de muebles se convirtió en una técnica artesanal importante. Un método consistía en usar laca negra con motivos dorados, y el otro, una base blanca pura o de color claro con motivos dorados. Ambos métodos lucían lujosos y elegantes.

Debido a la excesiva decoración en los estilos barroco y rococó, gradualmente cayeron en el atolladero del decorativismo. En la época de Luis XV, este concepto decorativo de búsqueda de la perfección formal había alcanzado su apogeo y era imposible que surgieran nuevas ideas. Después de eso, los estilos de diseño de Europa y América tuvieron que repetir las viejas melodías de los diseños anteriores, entrando así en un período de transición caótico desde los estilos históricos al diseño industrial moderno.