Las artes plásticas también son conocidas como artes espaciales, dentro de las cuales se encuentran la pintura, la escultura y la arquitectura. Las artes plásticas se refieren a los elementos básicos que constituyen la forma. Incluye principalmente tres partes: forma, textura y color. Entre ellos, la forma es la base de los elementos de modelado, que pueden dividirse en forma abstracta y forma concreta (es decir, forma natural). La textura se refiere a la estructura del tejido de la superficie de un objeto, incluyendo diversos cambios de textura entrecruzados, irregulares, rugosos y lisos. Expresa la percepción que las personas tienen sobre las características de la textura de la superficie del objeto. La textura también se denomina textura. Debido a los diferentes materiales de los objetos, la organización, disposición y estructura de la superficie difieren, lo que produce una sensación de rugosidad, suavidad y dureza. La textura es la característica de la superficie de un objeto. La percepción de la textura se basa generalmente en el tacto. Sin embargo, gracias a la larga experiencia con objetos táctiles, se puede percibir visualmente la diferencia de textura sin siquiera tocarlos. Lo llamamos textura visual.

1. Punto

El modelado de flores es un tipo de arreglo floral que crea una belleza nueva y pura basada en principios estéticos o formas hermosas. Los puntos, líneas, superficies, bloques y cuerpos de los materiales se combinan en un organismo vivo mediante los siguientes principios. En su aplicación, debemos prestar atención a la "unidad en la diversidad". La diversidad significa cambio, y el cambio puede eliminar el aburrimiento y crear interés. Pero si los cambios son infinitos, se volverá fragmentado, disperso y caótico. El principio de unidad en la diversidad es revelar la simplicidad en el “cambio” y mantener la “unidad” en la complejidad.

1. Simetría

Un objeto tiene una línea invisible como eje central, con las formas de arriba, abajo, izquierda y derecha. Se llama así cuando los colores y texturas son exactamente iguales, es decir, están dispuestos igual en ambos lados del eje. Generalmente, los gráficos simétricos poseen una belleza pura y concisa, y una sensación estática de estabilidad. Se caracterizan por su solemnidad, calma, eternidad, orden y magnificencia, como la simetría izquierda-derecha de las hojas, la simetría izquierda-derecha superior e inferior del cuerpo humano, y los versos de la sala.

2. Cambios

Busca la unidad en el cambio y el cambio en la unidad. Demasiada uniformidad crea una sensación monótona. Es necesario hacer cambios para que resulte interesante. En un arreglo floral, cada componente se organiza cuidadosamente mediante cambios continuos, de intervalos, alternados, graduales y otras técnicas para lograr una obra variada y bien organizada, con la densidad, la concentración y la dispersión adecuadas, y un equilibrio entre lo virtual y lo real, la luz y la oscuridad.

3. Proporción

Se llama forma cuando existe una relación perfecta entre sus partes, y entre las partes y el todo, en cuanto a longitud, brevedad, altura, profundidad, anchura y estrechez. Por ejemplo, las series geométricas y aritméticas, las raíces cuadradas y los rectángulos en matemáticas son proporciones estéticas. La proporción más hermosa se llama "proporción áurea", que es de 1 a 1,618.

4. Gradient

Es una técnica de expresión que aumenta, disminuye y se vuelve más grande o más pequeña gradualmente. La cantidad de formas, colores, puntos, líneas, etc., utilizadas cambia de forma ordenada, aumentando o disminuyendo gradualmente, por ejemplo, de grande a pequeño, de grueso a fino, de oscuro a claro (como papel degradado). Al cambiar de nivel, se puede lograr una belleza suave y fluida.

línea recta

Flores: palo de serpiente, girasol, hinojo, potos dorado, juncia, flor de encaje

Maceta: Cerámica creativa

5. Ritmo

Al ritmo también se le llama ritmo y cadencia. Se refiere al "movimiento ordenado" de forma, color, punto y línea. Los cambios, organizados mediante repetición, gradiente, superposición y líneas intrincadas, crean un ritmo visual y psicológico que llena la obra de vitalidad, como el cambio de líneas finas a gruesas y el cambio de colores de claros a oscuros.

6. Repetir

Las mismas formas, colores, etc. se repiten o continúan apareciendo para lograr una sensación de ritmo, armonía y unidad. Como las olas del mar y las olas del arroz.

7. Contraste

El contraste se refiere a la diferencia que surge al comparar dos cosas. Entre las formas comunes de contraste se incluyen la fuerza, la luminosidad, la densidad, el tamaño de la forma, la intensidad del color, la realidad y la ilusión, lo cuadrado y lo redondo, lo convexo y lo cóncavo, lo largo y lo corto, lo ancho y lo estrecho, la frialdad y la calidez del color, el contraste entre superficies y líneas, lo claro y lo oscuro, lo claro y lo turbio, lo rugoso y lo liso, lo blando y lo duro, etc.

8. Completar

Se divide en belleza estática con espacio completo y belleza dinámica con tiempo completo. Cualquiera que sea el principio de belleza que se utilice en cualquier obra de arte, lo que el artista persigue en el momento de la finalización es la "completitud" de la obra.

9. Énfasis

Enfatizar una parte o tema específico de la obra. La parte resaltada debe ocupar mayor proporción para reforzar la impresión del espectador.

10. Armonía

Armonía significa que los elementos constituyentes son similares y el contraste es pequeño, y el orden común producido permite que los dos alcancen un estado armonioso. Por ejemplo, el blanco y el negro son un contraste marcado, y el gris en el medio es la armonía entre los dos. Además del color y la forma, la textura también es un factor muy importante en la armonía. Las formas y los colores, al combinarse entre sí, dan a las personas una sensación estática, agradable, suave, armoniosa y suave, que puede ayudarnos a relajar nuestro estado de ánimo tenso y lograr un propósito tranquilo y agradable.

11. Unificación

La unidad es la combinación de elementos comunes, organizando y ordenando las mismas o similares formas, colores, texturas y otros elementos de manera ordenada o unificada. Entre los muchos factores complejos como la forma, el color, la calidad, la cantidad, etc., la configuración general debe pasar por la selección, el procesamiento, la combinación cuidadosa y la inserción para lograr la armonía y la unidad, de modo que los componentes puedan coordinarse entre sí, complementarse entre sí y reflejarse entre sí para formar un organismo organizado, receptivo y rítmico, y encontrar un punto común para no perderse.

12. Equilibrio

En diseño floral, la palabra "equilibrio" se refiere al equilibrio visual. "Equilibrio" significa colocar objetos de igual calidad, aunque de formas diferentes, a ambos lados de un eje imaginario en la imagen. De esta manera, aunque los objetos en la imagen no son iguales, tienen el mismo peso en la percepción visual, lo que crea una sensación de estabilidad. Las formas de equilibrio incluyen el equilibrio de color, el equilibrio de cantidad, el equilibrio de textura y el equilibrio espacial.

El ilustrador elige jarrones y flores según el tema que desea expresar y los combina para crear formas florales. También realiza arreglos adecuados en cuanto a cantidad, textura, color, espacio y tiempo de los materiales. Al crear arreglos, puede utilizar técnicas de expresión natural, de diseño, abstracta, simbólica y surrealista.

La expresión de la naturaleza, también conocida como expresión realista, combina las formas, colores y posturas de la apariencia del material para presentar con flexibilidad su belleza individual y vívida. La expresión del diseño es más artificial. Descompone los materiales y los utiliza total o parcialmente para formar patrones florales, compuestos puramente de formas y colores. La expresión abstracta no tiene en cuenta el orden natural ni la naturaleza del material, sino que toma en consideración su forma, color y textura para crear una obra rica en formas sensuales. La expresión simbólica es la expresión subjetiva del autor, la asociación u otra expresión de ideas o emociones del autor.

Que una obra resuene con la gente o no depende del uso de los materiales, por lo que primero debes cultivar tu capacidad de pensar, observar los materiales nuevamente con tus propios ojos y sentidos, no apegarte a la naturaleza amante del sol de las plantas y explorar la composición de ramas y hojas, extraer la belleza de las plantas, es decir, las características de puntos, líneas, superficies, bloques, cuerpos, calidad, cantidad, colores, etc., o tomar partes unitarias más pequeñas de las partes unitarias de las plantas (materiales), o descomponer y deformar los materiales y luego recombinarlos.

La concepción previa a la creación es el factor más importante que determina el éxito o el fracaso de una obra. La concepción puede partir de los siguientes aspectos. En cuanto a los materiales, estos se dividen en naturales, secos y artificiales. Los materiales vegetales pueden insertarse en sus posturas naturales y, al procesar puntos, líneas, superficies, bloques y cuerpos, también pueden deformarse, desintegrarse, deteriorarse y colorearse antes de insertarse. Los materiales procesados ​​heterogéneos, como alambre de hierro, piedras, flores secas, flores artificiales, cuentas de vidrio, etc., también son buenos materiales para arreglar flores con formas. En cuanto al jarrón, este forma parte de la forma de la flor y está integrado con ella. Sus formas pueden ser aproximadamente cuadradas, redondas, deformadas, etc. Primero, considere la forma, el color, el volumen, la textura y el sabor del jarrón y luego elija las flores. Desde el aspecto ambiental, ya sea que el espacio donde se coloque la obra sea una exposición de flores, una decoración del hogar o un escaparate, la obra debe estar en armonía con el medio ambiente. En términos de contenido, considere si la obra es decorativa o entretenida.

Apreciación de obras